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Música Clásica y ópera de Classissima

Edvard Grieg

jueves 29 de septiembre de 2016


Ópera Perú

5 de agosto

Attaca Quartet y su sonido contemporáneo

Ópera Perú © SFLPor Gonzalo Tello (Ópera Perú)La Sociedad Filarmónica de Lima (SFL) está de fiesta. Son ya 109 años los que celebran este mes de agosto con recitales y conciertos. Recientemente el pianista israelí Ishay Shaer interpreto los 24 preludios de Chopin en una memorable noche, y dentro de poco regresa a lima la imponente Orquesta Filarmónica de Israel, dirigida por el legendario Zubin Mehta, una de las grandes batutas mas respetadas y solicitadas del mundo y que además goza de popularidad mundial por haber dirigido los conciertos originales de los Tres Tenores, en 1990 y 1994, transmitidos a miles de millones de personas alrededor del mundo.Dentro de estas celebraciones tendremos además por primera vez en Lima a un extraordinario cuarteto de cuerdas. Hablamos del Attaca Quartet, elenco de jóvenes músicos residentes en Nueva York y que tienen basta experiencia y demuestran profunda madurez, a pesar de su edad y haber salido hace poco de las canteras de la prestigiosa escuela Juilliard.Cuartetos de cuerda hay muchos en el mundo, y destacar es muy difícil. El Attaca Quartet ha realizado proyectos especiales que incluyen la colaboración directa con el célebre compositor americano John Adams, interpretando la integral de sus cuartetos. Además, trabajan permanentemente con jóvenes compositores y en los últimos seis años completaron la integral de 68 cuartetos de Joseph Haydn en dos ciclos, tanto en EE.UU como en Canadá.El recital de este interesante cuarteto promete ser muy especial, pues traen un programa intenso con el Cuarteto en re mayor op. 76, Nº 5 de Joseph Haydn; Cuarteto de cuerdas N° 1 “Sonata Kreutzer” de Leos Janáček y finalmente, el Cuarteto de cuerdas en sol menor, op. 27 de Edvard Grieg.Conversamos con Keiko Tokunaga, su violinista principal, sobre los retos que representa ser músico y lograr el éxito en una ciudad tan competitiva como Nueva York. “Definitivamente es muy difícil sobresalir, no voy a mentir. Solo en Nueva York hay cientos de cuartetos maravillosos y extraordinarios, y la competencia es fuerte. Lo que nosotros hacemos para destacar es amar lo que hacemos y ser muy constantes y dedicados. Somos apasionados en todo los que hacemos en nuestros 13 años juntos, y siempre estamos ansiosos de cuando será nuestro próximo concierto. Eso es algo que nos enorgullece y nos diferencia de otros cuartetos”.© SFLHablando de lo que es realizar proyectos que diferencien a los artistas del resto, Tokunaga cree que es muy importante, ya que no se trata solo de tocar bien cualquier repertorio. “Hacer cosas diferentes es importante, ya que mucha gente toca muy bien y hay piezas que se tocan todo el tiempo, como Beethoven, Mozart o Haydn. Algo especial sobre nuestros proyectos es que cuando los hacemos, estamos profundamente enamorados de ellos.  Hace un par de años grabamos un disco con toda la obra para cuarteto de cuerdas de John Adams, y la próxima temporada tenemos dos proyectos: Uno que involucra a jóvenes compositores, lo llamamos “Recently at it”, y serán tres conciertos. Luego tenemos otro en que interpretaremos cuartetos de Beethoven, y en el medio escucharemos obras modernas, así podemos escuchar los orígenes de los cuartetos de cuerda”.Sobre trabajar con nuevos compositores, lo cual siempre es enriquecedor, Tokunaga explica que no solo reciben obras, sino que también las trabajan directamente con varios de ellos. “Algunas piezas que interpretamos fueron escritas para nosotros y hemos grabado la mayor parte de ellas. Es algo que haremos siempre, ya sea encargar nuevas piezas o grabar otras. A veces conocemos a los compositores y trabajamos con ellos. Podemos ver la partitura antes de estar terminada, o simplemente recibimos las obras y las trabajamos. También, cuando el compositor quiere ofrecernos algo la vemos y trabajamos en la que nos guste mucho. Se establece una línea de comunicación con el compositor, así determinamos qué tipo de repertorio interpretar”.Uno de los grandes proyectos del Cuarteto Attaca fue “The 68”, la serie integral de cuartetos de cuerda de Haydn que les tomó seis años interpretar. “Terminamos este ciclo en Nueva York y lo hicimos dos veces, una en Estados Unidos y otra en Canadá. Fueron 23 conciertos en varios años, pues son muchos y es difícil hacerlos en solo una temporada. Hubieron muchos momentos difíciles, para ser honesta, pero nos apasionó hacerlo. Es probable que lo hagamos de nuevo en el futuro, pero por el momento estamos enfocados en otros proyectos. Fue una increíble experiencia adquirida. No todos están grabados o en internet, pero los mejores si están en Youtube”.© SFLPor supuesto, hablamos del complejo programa que traerán a Lima. “Tocaremos el cuarteto no. 5 Op 76 de Haydn, el cuarteto “Kreutzer” de Janáček y El Cuarteto Op. 27 de Grieg. La obra de Haydn es de las mejores que interpretamos en la serie “The 68”, Es una obra que nos gusta mucho , es muy virtuosa y de gran escritura. Janáček ha sido parte de nuestros gratos proyectos del pasado. Hemos interpretado sus dos cuartetos y nos sentimos cercanos a el en termino de texturas y sus emociones. Tiene un sonido único que nos cautiva y es inagotable. Esta “sonata Kreutzer” es una de nuestras piezas favoritas y la historia detrás es también muy poderosa. Probablemente antes de tocarla hablaremos con la audiencia sobre esta obra. A Grieg no lo pudimos interpretar en el pasado. Esta es una obra muy poderosa y romántica, de un bello sonido y que toma mucha energía emocional. Daremos lo mejor de nosotros interpretándola”.El Attaca Quartet se presenta este martes 9 de agosto a las 7:45 pm en el Auditorio Santa Úrsula. Las entradas están a la venta en Teleticket de Wong y Metro. Esta será una gran velada, digna de las celebraciones por el 109 aniversario de la SFL.

Ópera Perú

27 de junio

Temporada de Oro

© GTNOrquesta Sinfónica Nacional (OSN) - Temporada de Otoño 2016Con la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario (OSNJB), Arnaldo Pizzolante, Pura Penichet-Jamet, Nelson Freire, Nancy Fabiola Herrera, Julian Kuerti y Gabriela Montero. Gran Teatro Nacional. Por Gonzalo Tello Durante los años de Fernando Valcárcel frente de la OSN se han cumplido grandes retos, especialmente con repertorio del siglo XX que eran deuda necesaria en nuestro país. Lo regular era que hacia la primavera, la última temporada del año, se programen los repertorios mas complejos y se reserve a los artistas mas destacados. Esta vez se adelantaron al otoño, presentando no solo obras descomunales sino presentando concierto tras concierto a leyendas de la música como solistas.Esta temporada se inició con el estreno nacional de la apoteósica Sinfonía “Turangalila” de Olivier Messiaen, y lo es en todo el sentido de la palabra pues requiere mas de 100 músicos, un pianista extraordinario, el uso de Ondas Martenot, instrumento electrónico vanguardista del siglo XX infrecuente en nuestro país, y un director que pueda manejar el timón de un portaaviones durante hora y media en diez complejos movimientos. Lo que para Valcárcel y la OSN (en el cual participaban músicos de la OSNJB) fue un gran reto, del cual hasta el final uno era escéptico, se consagró como uno de los eventos del año e indiscutiblemente como el logro mas importante de su gestión frente a nuestro primer elenco nacional.La temporada prosiguió con grandes nombres como el pianista Nelson Freire, quien cumplió con su esperada visita a Lima para interpretar el Concierto no. 2 de Johannes Brahms, con un estilo pulcro y llevando al compositor en los dedos. La OSN rindió homenaje al centenario de Alberto Ginastera estrenando localmente su “Popol Vuh”.Julian Kuerti fue el director invitado que tuvo a cargo la “Carmen” de la temporada de ópera. Antes dirigió una enérgica sinfonía no. 8 de Beethoven, una exquisita rendición de los Rückert-Lieder de Mahler a cargo de la afamada Mezzo-soprano Nancy Fabiola Herrera y la famosa suite de “Der Rosenkavalier” de Strauss. Aunque a la orquesta le faltó cierta fluidez, el resultado estuvo a la altura.Los nombres estelares no pararon pues llegó el turno de la aclamada pianista Gabriela Montero, quien dio rienda suelta a su estilo con un Grieg muy propio y aunque desconcertante al inicio, supo darle vida y estilo como los grandes pianistas de antaño. No dudó en regalar una improvisación del “Caballo viejo” de Simón Díaz de forma exultante. El homenaje a Francisco Pulgar-Vidal llegó con la Sinfonía “Nazca”, que hubiera sido ideal que sea interpretada con mayor fuerza y virtuosismo.(Publicado en Luces del Diario El Comercio el martes 21 de junio del 2016).




Ópera Perú

3 de junio

Filarmónica de Berlín en el Goethe Institut

Desde este sábado 4 de junio tendremos la oportunidad de ver y escuchar la temporada de conciertos de la Orquesta Filarmónica de Berlín, en el Auditorio del Goethe Institut de Jesús María.La Filarmónica de Berlín, considerada como la mejor orquesta del mundo, cuenta desde hace un par de años con su Sala de Conciertos Digital (Digital Concert Hall). Este espacio permite a los melómanos de todo el mundo seguir los conciertos a través de Internet. El objetivo es alcanzar un público internacional que no puede asistir a los conciertos ni a las giras de la orquesta. Así como el legendario Herbert von Karajan dio a la orquesta un sonido particular que la hizo famosa a escala mundial, el actual director, Sir Simon Rattle, ha puesto énfasis en ir hacia el público con esta oferta virtual. El Goethe-Institut se ha sumado a este esfuerzo y ahora ofrece en Lima la posibilidad de poder ver y escuchar los conciertos con una excelente  calidad de video y sonido HD. El cronograma de conciertos es el siguiente:Concierto (retransmisión digital)04.06.2016 10:00 am.Bienvenidos entre nosotrosFilarmónica de BerlínGoethe-Institut PerúConcierto (retransmisión digital)11.06.2016 10:00 am.Concierto por EuropaOrquesta Filarmónica de BerlínGoethe-Institut PerúConcierto (retransmisión digital)25.06.2016Albert Roussel, Jean-Philippe Rameau & Karol SzymanowskiOrquesta Filarmónica de BerlínGoethe-Institut PerúConcierto (retransmisión digital)25.06.2016Antonín Dvorák & Franz BerwaldOrquesta Filarmónica de BerlínGoethe-Institut PerúBienvenidos entre nosotrosFilarmónica de BerlínConcierto (retransmisión digital) 04.6.2016, 10:00h. Goethe-Institut Perú Jirón Nazca 722, Jesús Maria Lima 11, Perú Niños a partir de los 10 años Entrada libre hasta completar aforo Bajo el lema “Bienvenidos entre nosotros” la Filarmónica de Berlín, la Konzerthausorchester Berlin y la Staatskapelle Berlin  desean dar una calurosa bienvenida a personas que han debido huir de sus hogares y han llegado a Alemania. La muchas veces repetida frase: La música crea puentes entre personas y culturas, se puede experimentar en este concierto. Además se da las gracias por su trabajo al gran número de voluntarios que dedicaron su tiempo para ayudarlos. Programa: Wolfgang Amadeus Mozart Concierto para piano en do menor, KV 466 Staatskapelle Berlin Daniel Barenboim – director y piano Sergej Prokofjew Sinfonía Nº 1 en do mayor op. 25 Konzerthausorchester Berlin Iván Fischer - director Ludwig van Beethoven De la sinfonía Nº 7 el Segundo y cuarto movimiento Berliner Philharmoniker Sir Simon Rattle - directorConcierto por EuropaOrquesta Filarmónica de BerlínConcierto (retransmisión digital) 11.6.2016, 10:00 Goethe-Institut Perú Límite de edad: A partir de los 10 años Ingreso libre, hasta completar aforo Este concierto por Europa nos conduce a la bellísima iglesia barroca en la ciudad minera de Røros en Noruega. Simon Rattle dirige entre otras piezas la marcial “Heroica” y el melodioso concierto para violín en mi menor de Mendelssohn. La solista, como si se tratara de un partido local, es además noruega: la virtuosa, sensible y simpatiquísima violinista Vilde Frang. Programa: Edward Grieg „Anochecer en las montañas“ Nº 4  de las piezas líricas op. 68 Felix Mendelssohn Bartholdy Concierto para violín en mi menor op. 64 Ludwig van Beethoven Sinfonía Nº 3 op. 55 „Heroica“Albert Roussel, Jean-Philippe Rameau & Karol SzymanowskiOrquesta Filarmónica de BerlínConcierto (retransmisión digital) 25.6.2016, 10:00 Goethe-Institut Perú Límite de edad: A partir de los 10 años Ingreso libre, hasta completar aforo Albert Roussel y Jean-Philippe Rameau – pese a que nacieron con 200 años de distancia – fueron hermanos en el espíritu: individualistas, sorprendentes, con un especial sentido para la coloratura. Todas estas cualidades se aprecian en este concierto tanto en “El festín de la araña” de Roussels como en “Los Boréadas” de Rameau. Simon Rattle y Daniel Stabrawa interpretan además el magnífico concierto número dos para violín de Karol SZymanowski, el cual se ubica entre el impresionismo y el folklor polaco. Programa: Albert Roussel El Festín de la araña Fragmentos sinfónicos del ballet de acción op. 17 Karol Szymanowski Concierto para violín y orquesta Nº 2 op. 61 Daniel Stabrawa - violín Jean-Philippe Rameau Piezas orquestales de la ópera “Los Boréadas” reunidos en forma de suit por Sir Simon Rattle. Antonín Dvorák & Franz BerwaldOrquesta Filarmónica de BerlínConcierto (retransmisión digital) 25.6.2016, 10:00 Goethe-Institut Perú Límite de edad: A partir de los 10 años Ingreso libre, hasta completar aforo Melancólica, pero al mismo tiempo enérgica y nunca sentimental es como se presenta la séptima sinfonía de Antonín Dvorák.  Domina sobre todo la fusión de diferentes estados de ánimo, como el nostálgico y al mismo tiempo scherzo bailable. Además Herbert Blomstedt dirige un redescubrimiento: la tercera sinfonía de Franz Berwald, una pieza atrayente, que a veces recuerda a Mendelssohn y que la Filarmónica de Berlín tocó por última vez en 1950. Programa: Franz Berwald Sinfonía Nº 3 en do mayor Antonín Dvorák Sinfonía Nº 7 en re menor op. 70 Dirige: Herbert Blomstedt 



Jean Sibelius

5 de mayo

"Noche de Epifanía" opus 60, dos canciones escénicas para la obra de Shakespeare

En las últimas semanas se han conmemorado los 400 aniversarios de la muerte de Miguel de Cervantes y de William Shakespeare (oficialmente el 23 de abril pero, como habrán oído en estos días, las fechas reales corresponden respectivamente con el 22 en el caso del español y con el 3 de mayo en el del inglés). No podemos dejar pasar tan magnífica ocasión (y excusa), y buscar alguna conexión de dos figuras tan trascendentales para la cultura occidental con la vida y el arte de nuestro compositor.  Respecto al caso de Cervantes apenas podemos dar cuenta  del hecho del conocimiento efectivo que Jean Sibelius tenía en efecto del arquetipo de Don Quijote como el loco de los viejos códigos de valores. En una carta desde Viena, el joven músico de un cuarto de siglo recién cumplido, escribe a su novia Aino. En dichas líneas comenta la lectura de la recientemente publicada novela "Solo" de Juhanni Aho, en la que el escritor plasmaba de manera poco disimulada su propio amor fracasado por la mujer que acabaría siendo la esposa de Sibelius: “quizá pienses que se me va la cabeza, un Don Quijote, pero en mi más temprana infancia a menudo recuerdo haber oído la expresión de que sólo un duelo a muerte podía arreglar esos asuntos...” Si apenas esa pequeña cita vincula al compositor nórdico con el héroe cervantino, mucha más directa se mantiene la relación con el bardo inglés. No debe sorprendernos si tenemos en cuenta que Shakespeare gozaba de una amplia difusión en el norte, ya desde la época romántica, en el conjunto de países que había hecho del teatro (recordemos las figuras de Ibsen o Strindberg) una de sus expresiones culturales más notables. Si unimos ese hecho a que las grandes representaciones escénicas del XIX y de principios del XX (hasta la llegada del cine sonoro) requirieron música incidental de primera línea (recordamos también el "Peer Gynt" de Grieg), no es de extrañar que muchos de los compositores nórdicos hayan escrito también música teatral para diversas de esas incontables representaciones shakespearianas. Entre los trabajos más sobresalientes están las extensas partituras que escribiera el sueco Wilhelm Stenhammar para "Romeo y Julieta" (1922) y para "Como gustéis" ("As you like it" en el original inglés, partitura de 1920) y, por supuesto, las obras sibelianas. El contacto entre los versos de Shakespeare y el compositor finlandés se producen en tres momentos muy distantes de su carrera. La primera referencia es indirecta: a través de la historiadora y novelista Alma Söderhjelm, que recordaba su encuentro con el músico en el verano de 1889, en un salón con varias de sus amigas, en el que apenas era un joven con un gran don para el violín y grandes esperanzas, y que resultaba encantador a las damas. Pues bien, según Söderhjelm, Janne les confió que estaba pensando en escribir una sinfonía sobre "Macbeth", dando especiales detalles sobre su proyecto. No ha sobrevivido ningún boceto musical, ni siquiera otra referencia sobre esa idea, así que probablemente no fuera más que el sueño de una velada de verano. Aún faltaba tiempo para que "Kullervo", su sinfonía programática, siquiera llegara a concebirse. Resulta llamativo no obstante que Richard Strauss había concluido el año anterior la primera versión de su poema sinfónico Macbeth opus 23, aunque Sibelius difícilmente tuviera noticia de ello. Fue en 1909 cuando finalmente pondría música a su primer Shakespeare, a dos de las canciones del tragicómico bufón Feste para una producción en sueco de "Noche de Epifanía" o "La duodécima noche", que se estrenaría el 12 de noviembre en el Teatro Sueco de Helsinki. La música estaría escrita para el actor, con registro de bajo, y acompañamiento de guitarra - única y rara ocasión en la que Sibelius empleara el instrumento de seis cuerdas -, aunque más tarde prepararía una versión con piano, orquestando también la primera de ellas. De esta obra hablaremos más adelante. Retrato de Olivia, en "The graphic gallery of Shakespeare's heroines" (1896), ilustración de Edmund Leighton  Pero la gran partitura shakespeariana tuvo que esperar a sus últimos años creativos, nada menos que la misteriosa obra de "La tempestad", un ambicioso encargo para el Teatro Real de Copenhague, para una gran producción que originalmente fue concebida para el 1 de septiembre de 1925 - fecha para la cual nuestro músico había finalizado su parte -, aunque finalmente se retrasaría al siguiente 15 de marzo. Sibelius escribiría cerca de una hora de música y 34 números (algunos repeticiones), incluyendo preludios, intermedios, melodramas y canciones (en danés), haciendo uso de una imaginación musical desbordante y de un colorido muy moderno. Dos años más tarde reduciría la música al preludio y dos suites (opus 109), aunque el original resulta mucho más fascinante artísticamente. Abordaremos también esta fascinante obra en un futuro no muy lejano. "Trettondagsafton" opus 60  William Shakespeare escribió "Twelfth night" alrededor de los años 1601 y 1602. La obra, una comedia con tintes dramáticos, se inicia con un naufragio (curiosamente como "La tempestad") que divide a los hermanos Viola y Sebastián, inconscientes uno de la supervivencia del otro. Viola se disfraza de hombre, con el nombre de Cesario, y queda prendida de su benefactor Orsino. Surge entonces una trama de enredos y amores no correspondidos, donde Viola disfrazada es confundida con su hermano recién regresado,  y donde finalmente las parejas encuentran su perfecto amor.  El título viene indicado por la denominación anglosajona de los días de fiesta que siguen al día de Navidad. La versión sueca del texto se debe a Carl August Hagberg (1820-1865), aunque algunos momentos (como la primera canción que comentaremos) corresponden a la versión más reciente de Bertel Gripenberg (1878-1947). Las dos canciones que escribiera Sibelius son protagonizadas por uno de esos fascinantes secundarios shakespearianos que pueblan sus obras con matices ambiguos, lejos de los personajes planos que debieran esperarse para tales papeles. Feste es un bufón, pero sus comentarios y reflexiones no sólo se llenan del habitual tono de "gracioso" (como se denominaban en teatro español de la época), sus dobles sentidos y su sabiduría popular (a ratos aguda, a ratos ridícula), sino también destilan una melancolía y un tono trascendente que de hecho provoca algunos de los claroscuros más inesperados de la obra.  De hecho la primera canción musicada corresponde a unos versos de sorpresiva y especial hondura en el momento de la comedia (Acto II, escena 4ª). A continuación damos los versos de la versión sueca y una traducción que se intenta ajustar a la misma, y no tanto al original inglés, que debido a la rima discrepa en las diversas traducciones posibles (los versos literales de Shakespeare, "Come away, death", pueden leerse aquí):    1. Kom nu hit, död    Kom nu hit, kom nu hit, död!    I krusflor förvara mig väl;    hasta bort, hasta bort, nöd!    Skön jungfrun har tagit min själ.    Med svepning och buxbom på kistans lock    håll dig färdig;    mång trogen har dött, men ingen dock    så värdig.    Ingen ros, ingen ros, då    månde strös på mitt svarta hus;    ingen vän, ingen vän, må    störa vilan i jordens grus.    Mig lägg, för tusen suckars skull,    åt en sida,    där ej älskande se min mull    och kvida. —————    ¡Venid aquí, venid aquí, muerte!    Con el velo mortuorio depositadme bien;    ¡corred desde la lejanía, corred desde la lejanía, desgracia!    Una hermosa doncella ha arrebatado mi alma.    Con el sudario y la tapa cerrando en el féretro    estate lista;    muchos leales han muerto, pero nadie, sin embargo,    tan digno.    Ni una rosa, ni una rosa    sobre mi negro féretro sea arrojada;    ni un amigo, ni un amigo,     perturbe la tierra de mi tumba.    Que se eviten miles de suspiros,    depositadme, ¡oh!, donde    el triste y verdadero amante nunca encuentre mi tumba,    para sollozar allí. Los versos del bardo entonan un lamento, un canto ante la idea de la muerte repleta del pesimismo barroco, donde la desesperanza del amor, el amor "ingrato" y el abandono se convierten directamente en la misma muerte, en la tombeau absoluta. Además de Sibelius otros muchos músicos se basaron en estos célebres versos: Arne, Finzi, Korngold, Vaughan-Williams (en forma coral), etc. en la lengua original, además de Brahms, Cornelius, Loewe y otros en versión alemana... Sir Ben Kingsley caracterizado como Feste en la notable adaptación cinematográfica de Trevor Nunn (BBC, 1996) La segunda canción sirve de cierre a la obra (Acto V, escena 1ª y única), con un aire de tono popular, incluyendo las repeticiones y los juegos de palabras (en el original), y una referencia conclusiva muy del gusto del incipiente barroco a la escena dentro de la escena. En esta ocasión usaremos una traducción directamente del inglés ("When that I was and a little tiny boy"), ya que la musicalización de Sibelius no se detiene más que en el sentido general de la canción, y no tendría mayor interés seguir palabra por palabra la versión de Hagberg. Reproducimos la versión del hispano-mexicano Federico Patán, publicada en la magnífica edición de las obras completas de Shakespeare en la editorial Debolsillo (Random House Mondadori, volúmen 1, Comedias, 2012):    2. Hållilå, uti storm och i regn    Och när jag var en liten smådräng,     Hållilå, uti storm och regn,     då var mig en bädd icke mer än en säng,     Förty regnet det regnar var eviga dag.     Men när jag som karl börja’    Hållilå, uti storm och regn,     då stängde envar för tjuven sin port,    Förty regnet det regnar var eviga dag.    Och ack då jag fick mig ett äkta viv,     Hållilå, uti storm och regn,     då lade jag av mitt rumlande liv,     Förty regnet det regnar var eviga dag.     Men när som jag tog mig en lur så söt,     Hållilå, uti storm och regn,     då hade jag druckit mig full som ett nöt,     Förty regnet det regnar var eviga dag.     En god stund redan vår värld hållit ut,     Hållilå, uti storm och regn,     men det är detsamma; vårt spel är slut.    Gå det bra, ska’ vi spela var eviga dag. —————    Cuando así de pequeño un niño era,    con el ¡eh!, con el ¡oh!, con el viento y la lluvia,    mero juguete era cualquier cosa tonta,    pues la lluvia caía cada día.    Pero cuando al crecer volvime hombre,    con el ¡eh!, con el ¡oh!, con el viento y la lluvia,    por pillo y por ladrón me cerraban las puertas.,    pues la lluvia caía cada día.    Y cuando, ¡ay!, llegué a tener esposa,    con el ¡eh!, con el ¡oh!, con el viento y la lluvia,    con mis fanfarronadas riqueza nunca obtuve,    pues la lluvia caía cada día.    Y cuando por las noches a mi lecho llegaba,    con el ¡eh!, con el ¡oh!, con el viento y la lluvia,    borracho estaba siempre como otros camaradas,    pues la lluvia caía cada día.    El mundo comentó hace ya mucho tiempo.    con el ¡eh!, con el ¡oh!, con el viento y la lluvia,    mas eso ya no importa: la obra ha terminado    y nos esforzaremos en siempre complaceros. A estos versos los pusieron música también Korngold y Stanford entre otros en su lengua original, Schumann en alemán, etc. La composición  La obra original se escribiría entre finales de septiembre y octubre de 1909, mientras brotaban las primeras ideas para una Cuarta sinfonía. Como decíamos Sibelius realizó poco después del estreno una versión, con acompañamiento más completo, con piano (pero fiel a grandes rasgos al original guitarrístico, incluyendo sus rasgados), que publicaría también con el número de opus 60. En la edición las cinco estrofas de la segunda canción serían reducidas a los dos primeras, haciéndola notablemente corta. Con los años, la versión con piano de "Kom nu hit, död" permanecería en el repertorio de las principales obras líricas del autor, puesto que aún hoy conserva: una de las más bellas y profundas canciones del autor, trascendiendo su origen teatral, y convirtiéndose en una de las principales sången de los recitales sibelianos. A principios de 1957 el bajo Kim Borg, emergente figura operística finlandesa y curiosamente un pariente lejano de Sibelius (por parte de la madre de este último) solicitó al músico en su retiro de Ainola la orquestación de la primera de la canciones del opus 60, junto con una versión de concierto del lamento final del tercer movimiento de "Kullervo" opus 7, trabajos que serían al efecto los últimos debidos al autor incapaz incluso, por el temblor de su mano, de escribir la música personalmente (la tarea le fue encomendada a su yerno Jussi Jalas). La orquestación, con el arpa emulando aquí al laúd, es sumamente transparente, etérea incluso, contrastando con la sobriedad y el tono trágico de la música, no recreándose pues en su patetismo, sino acaso dándole una dimensión sobrenatural. El propio Kim Borg (que también probó suerte en la composición) orquestaría la segunda canción, aunque esta instrumentación, como la mayoría debidas a Borg, ha caído casi en el olvido.  También hay que anotar que ninguna de las versiones de las dos canciones especifica el registro de voz, aunque casi siempre se hayan interpretado por parte de voces graves masculinas. La primera de las canciones posee un carácter de lamento contenido, de profunda tragedia sin concesiones a la teatralidad, y una estética fundamentalmente esencialista, reduciendo sus elementos musicales a los mínimos. Es de hecho un perfecto ejemplo del estilo de su "periodo oscuro": expresionismo, armonía avanzada, muy cromática, con disonancias agudas pero sutilmente expuestas, texturas sobrias y un uso atmosférico del silencio...  El compositor finlandés emplea aquí una línea vocal de recitativo o arioso inicial característica de algunas canciones previas que profetizaban la suma austeridad de este periodo (como "Höstkväll" opus 38 nº1): (cliquea sobre el ejemplo para mostrarlo a mayor tamaño) Como es habitual en nuestro compositor esos primeros compases bastan para definir toda la partitura: el acompañamiento se reduce a unos escuetos acordes (apenas habrá más que estos y algunos arpergios), que marcan el cambio armónico entre mi menor y el tono más remoto de sol♯ menor. Ese entorno armónico llega precisamente en la palabra "död" ("muerte") lo que resulta un eco de la retórica barroca. Y llega a través de una enarmonía, con la nota común al acorde de dominante de mi menor, la sensible, y la tónica de sol♯ menor: el re♯, que se muestra doliente y punzante con la suspiratio que la precede... La relación de mi menor a sol♯ menor podría ser lógica si es a través de Mi Mayor (convirtiéndose en tal caso en la relación con la tercera minorizada tan frecuente en Sibelius). Pero aquí se elude por completo el paso intermedio: una elipsis armónica muy propia de la música esencialista de esta época. A continuación la música asciende en una escala casi en forma de aclamación, con una caída final, un rasgo también muy propio de estos años, frecuente por ejemplo en la Cuarta sinfonía. El recitativo da paso inadvertidamente a una entonación más melódica, pero marcada también por el cromatismo (incluyendo saltos de tritono, como el sinfonía antes citada). Toda la canción mantiene cierto aire histórico, evocando a las canciones con laúd de la época isabelina (pensemos en los bellísimos aires de Dowland), pero de ninguna forma imitándolas o queriendo realizar un pastiche pseudohistoricista. La segunda estrofa repite casi literalmente la misma música, llegando al final a reiterar el verso inicial y el oscuro acorde sobre la palabra "muerte". En cuanto a la segunda canción, poco hay que decir, porque a decir verdad palidece enormemente ante su negra compañera. Aquí el compositor opta por una forma estrófica estricta, que no da oportunidades a matizar palabras, con una parte instrumental a base de un ostinato típicamente sibeliano. Tanto la melodía como el acompañamiento tienen un aire muy impulsivo, agudizado por el uso del tritono en el arranque de la melodía vocal y en el insistente acompañamiento mismo. La aclamación en la última frase musical permite el perpetuo retorno de la melodía. Discografía De la versión teatral podemos encontrar dos registros: en la integral de BIS (volumen 7 de la Sibelius Edition, publicado en 2008) encontramos la cuidada versión del barítono Gabriel Suovanen, junto con la guitarra de Juuso Nieminen, con un aire muy melancólico en la primera canción, y la representación dramática del segundo número (toques báquicos incluidos). La cuasi integral de Decca presenta la versión original también y no la pianística, bajo el barítono Tom Krause y las cuerdas del británico de ascendencia española Carlos Bonell. Una versión más austera y poco pretenciosa, con un notable nivel de canto y una guitarra mucho más discreta. La versión pianística presenta unas cuantas alternativas. La Sibelius Edition curiosamente optó por repetir con Suovanen (en el mismo estuche), acompañado por el omnipresente y siempre perfecto Folke Gräsbeck. El tono en esta ocasión se adecúa con rotundidad a la canción de concierto, creando una interpretación mucho más profunda y sentida (incluyendo un efecto sorprendente en el acorde final, donde la voz se retrasa un instante), eliminando lo escénico y lo liviano en el segundo número. El también barítono Jorma Hynninen entona con nobleza y máxima emoción la primera de las canciones, con al piano Ralf Gothóni, en el excelente disco de Finlandia Records que hemos recomendado en varias ocasiones, y que quizá sea la mejor grabación de esta discografía. La segunda canción se muestra también con gran fuerza, reforzada por un piano casi percutivo y de medida terrenidad. El resto de grabaciones con piano recogen sólo la primera de las canciones. Proveniente de la prehistoria de la fonografía tenemos el registro de la contralto Marian Anderson acompañado por Kosti Vehanen, efectuado en el París de nada menos 1936 (y editado recientemente por Warner Classics en un magnífico estuche con grabaciones de entre 1928 y 1948). Anderson opta por cantar la canción en el original inglés, lo cual no produce cambios en la métrica aunque la acentuación no resulte tan natural en la lengua shakespeariana. El canto de la contralto es sumamente expresivo, desolado, ciertamente agarrotado. También cantada como "Come away, Death" se nos presenta la versión de Kim Borg, datada justo en el año 1957, y con el piano de Erik Werba. El tono es solemne, afectado, reflexivo y contenido, una versión hermosa pero no excelente. Se encuentra en Deutsche Grammophon junto con canciones de Yrjö Kilpinen, el discreto pero sensible "Hugo Wolf" finés. La tardía versión orquestal del propio autor de "Kom nu hit, död" cuenta también con varias notables interpretaciones. Todo un clásico es el registro de Kirsten Flagstad, bajo los sones delicados de la Sinfónica de Londres dirigida por Øivin Fjeldstad. El tono de la canción bajo la imponente voz de la noruega es sumamente dramático, y no resulta sorprendente pensar en una canción de postwagnerianismo (Richard Strauss, por ejemplo). Flagstad está magnífica, aunque la interpretación en conjunto quizá peca de ser un tanto excesiva en sus intenciones, ya que no se trata realmente de la escena de un drama musical (el registro se encuentra en varias ediciones de la casa Decca).  Otro clásico de esta versión ha sido la del sello BIS, que en el lejano 1985 grababa la canción con Jorma Hynninen y el maestro Jorma Panula al frente de la Sinfónica de Gotemburgo (un registro que se repitió en la Sibelius Edition, sorpresivamente en el volumen dedicado a la música teatral). El registro es noble, solemne, con un tono elegiaco de profunda belleza, contenido y modesto, pero muy efectivo. También a Jorma Hynninen le tenemos en un disco en el que Leif Segerstam le dirige, acompañado de la Filarmónica de Tampere (sello Finlandia, 1994, reeditada en Ondine) con un canto expresivo y muy matizado. Esta podríamos afirmar que sería la versión más acertada de la discografía con esta instrumentación, revelada como repleta de una belleza celestial bajo la batuta del finlandés. La versión orquestal más reciente viene de nuevo de la mano de Segerstam, esta vez con el barítono Waltteri Torikka y la Filarmónica de Turku. Aquí tenemos un sonido preciosista y muy refinado, con un toque casi impresionista, donde la orquesta suena lejana, casi como un melodrama que acompaña al tono de cuidada pronunciación de Torikka. Una versión eficiente, pero no mucho más que eso. Como complemento Segerstam graba también (Naxos, publicación de 2015) la segunda canción de "Noche de Epifanía" en la instrumentación de Borg, con un tono monótono debido en gran parte a los bajos de la orquesta, muy pianísticos. Versión teatral (con guitarra) - Gabriel Suovanen & Juuso Nieminen • BIS (2008) Interpretación: 7,5 · Estilo: 8,5 · Sonido: 8 - Tom Krause & Carlos Bonell • DECCA (1984) Interpretación: 6,5 · Estilo: 6,5 · Sonido: 7 Versión con piano de las dos canciones: - Jorma Hynninen & Ralf Gothóni • FINLANDIA RECORDS (1980) Interpretación: 8,5 · Estilo: 8,5 · Sonido: 6,5 - Gabriel Suovanen & Folke Gräsbeck • BIS (2008) Interpretación: 7,5 · Estilo: 8,5 · Sonido: 8 "Kom nu hit, död", versión con piano - Kim Borg & Erik Werba • DEUTSCHE GRAMMOPHON (1957) [cantada con los versos originales en inglés] Interpretación: 8 · Estilo: 7 · Sonido: 6 - Marian Anderson & Kosti Vehanen • WARNER CLASSICS (1936) [cantada con los versos originales en inglés] Interpretación: 7 · Estilo: 6,5 · Sonido: 4 (mono) "Kom nu hit, död", versión orquestada - Jorma Hynninen & Orquesta Filarmónica de Tampere - Leif Segerstam • FINLANDIA RECORDS (1994) - reed. ONDINE (2007) Interpretación: 8 · Estilo: 7,5 · Sonido: 7,5 - Kirsten Flagstad & Orquesta Sinfónica de Londres - Øivin Fjeldstad • DECCA (1958) Interpretación: 8 · Estilo: 6 · Sonido: 6 - Jorma Hynninen & Orquesta Sinfónica de Gotemburgo -  Jorma Panula • BIS (1985) Interpretación: 7 · Estilo: 7,5 · Sonido: 6,5 - Waltteri Torikka & Orquesta Filarmónica de Turku - Leif Segerstam • NAXOS (2015) Interpretación: 7 · Estilo: 7 · Sonido: 8 ____________________ Escuchamos ambas canciones en un recital debido al barítono Henri Tikkanen con Kaj Ekman al piano, video de un concierto celebrado el 23 de mayo de 2015 en la Sibelius Akatemia, una lectura más que adecuada para ilustrar la obra. Y además, podremos disfrutar de la versión de Kim Borg y los versos originales de Shakespeare: 

Pablo, la música en Siana

27 de febrero

Clausurando Jornadas Culturales del Conservatorio

Viernes 26 de febrero, 20:00 horas. Auditorio del CONSMUPA de Oviedo: II Jornadas Culturales del Conservatorio Profesional de Música de Oviedo. Concierto de clausura: David Hevia Sesma (violín) y Noel Menéndez Suárez (piano). Obras de Mozart, Beethoven y Grieg. Durante la semana del 22 al 26 de febrero han tenido lugar estas jornadas en el CPM de Oviedo, segunda edición de la que pude disfrutar el último de los eventos. Quiero dejar aquí íntegras las notas sobre ellas que ha escrito Paula Raposo, profesora de piano del conservatorio, antes de pasar a comentar el concierto del dúo Hevia-Menéndez. “Múltiples notas, una sinfonía”: crónicas de un conservatorio  El Conservatorio Profesional de Música de Oviedo clausura hoy la segunda edición de sus Jornadas Culturales. Bajo el lema “Múltiples notas, una sinfonía”, el centro ha acogido durante esta semana más de cincuenta actividades relacionadas con la música, en todo un esfuerzo de organización y coordinación. Como no podía ser de otra manera en un centro profesional de música, la programación ha incluido una media de tres conciertos diarios en distintos formatos y escenarios a cargo de alumnos y profesores, de los estilos más variados: desde música clásica hasta música electroacústica, pasando por la música tradicional asturiana, el estilo barroco, las bandas sonoras o la música tradicional andina. Entre los artistas invitados estuvo el Pequeño Coro Don Orione, de Posada de Llanes, cuyo objetivo es el desarrollo integral de las personas con discapacidad intelectual y el guitarrista Pedro Mateo González, que ofreció un curso de guitarra los días 23 y 24. Profesores del Conservatorio Profesional han llevado a cabo charlas y talleres sobre improvisación, análisis musical, instrumentos antiguos, instrumentos tradicionales o la música y la ciencia y han celebrado encuentros de instrumentos que agruparon a músicos de distinta procedencia. La programación se ha visto enriquecida gracias a la colaboración desinteresada de varios profesores del CONSMUPA y de los profesionales ajenos al centro que han participado en esta edición. El cartel de actividades ha incluido varias ponencias y talleres sobre cuestiones prácticas propias de la vida del músico: el lunes, el luthier Roberto Jardón abría las actividades con una charla sobre el problema de la humedad en los instrumentos de cuerda frotada. La clínica de Fisioterapia Mario Bueno ofreció un taller para la prevención y tratamiento de lesiones derivadas de la práctica musical. El profesor Julio Ogas, de la Universidad de Oviedo, habló a los jóvenes estudiantes sobre las profesiones de la música y las posibilidades de futuro profesional. El jueves 25 Vicente Llaneza llevó a cabo una sesión de Taichí para músicos y posteriormente el Centro Avantia organizó una dinámica de “Música, risa y emoción”, a cargo de la logopeda Bárbara Bayón y la musicoterapeuta Lorena Miranda. Los primeros auxilios también están presentes en las jornadas, con un taller que se realizará esta tarde a cargo de María José Villanueva, médico de urgencias. Las Jornadas han reservado un espacio para la reflexión y el análisis de la práctica musical: el lunes, la violinista Olaya Pérez, Premio Descartes de Investigación, de Aula Allegretto, expuso los resultados de su trabajo sobre la interpretación historicista de las composiciones para violín de Bach. El martes, Elisabeth Expósito, responsable del archivo de la OSPA, se encargó de dar a conocer a los alumnos la figura del archivero musical y el funcionamiento de un archivo de música de una orquesta sinfónica. Finalizó el día con la ponencia del compositor Pablo Laspra sobre el papel de las bandas sonoras en el cine y los videojuegos. Por último, esta tarde, Emilio Fernández Fidalgo y Alfredo Diego orientarán a los jóvenes músicos sobre cómo montar su propio estudio de grabación. La imagen también ha estado presente en estas Jornadas Culturales, que han celebrado la primera edición de su Concurso de Fotografía, cuyo fallo coincidió con la charla titulada “La imagen de la música”, a cargo del fotógrafo Marcos Vega. Paula Alonso, Jefa de Estudios Adjunta y coordinadora del proyecto, ha mostrado su satisfacción por el buen discurrir de las jornadas y por la buena acogida que el evento ha tenido entre la comunidad educativa. “La intención era la de fomentar la colaboración y la convivencia entre profesores, alumnos y familias y, sobre todo, generar una experiencia compartida de disfrute de la música en común, en un contexto diferente al puramente académico, sin olvidar la posibilidad de enriquecer los aprendizajes y el conocimiento de los alumnos, en un ambiente relajado y lúdico”. Las jornadas se clausurarán a las 20.00 horas de la tarde de hoy con la actuación del dúo de violín y piano a cargo de los profesores David Hevia y Noel Menéndez en el Auditorio del centro. La entrada es libre hasta completar aforo.Gracias a Paula por el texto y ya centrándonos en el concierto, comentar la excelente acogida porque la música en vivo, y más la de cámara, son la base de todo melómano, tanto profesional como vocacional, y entre el público había de ambos, además de profesorado y alumnos de los conservatorios profesional y superior que no quisieron faltar a este broche de una semana bien explicada por la propia Paula Raposo. Los profesores que quieren mantenerse como concertistas no lo tienen fácil con la actual legislación y es esencial para todos poder conjugar docencia e interpretación porque son inseparables en el mundo musical, algo que los responsables deberían conocer y facilitar en vez de impedirlo, pero ya se sabe que en cultura nuestros políticos no están lo que se dice sobrados. El concierto del dúo de profesores se organizaba en dos partes, una primera con obras diríamos que "habituales" en los planes de estudio ya desde mi época, pero que no debe faltar en ningún repertorio de cámara que se precie, y dejar la segunda para "altos vuelos". Así arrancaba la Sonata en mi menor, K. 304 (Mozart) de dos movimientos, el Allegro del que bebería en cierta manera Schubert (también "obligada" en mis años jóvenes), una página exigente para ambos, diálogo y protagonismo compartido aunque Noel levantase la tapa para el siguiente, sabedor del amplio rango dinámico de David y optando por volúmenes que posteriormente oscurecieron un tanto la presencia de un "violín Hevia" de abolengo asturiano (hijo de José Ramón y hermano de Aitor), familia que continúa en activo también desde la docencia. Y así el Tempo di Minuetto supuso delicadeza en el acompañamiento de un violín perfeccionista por naturaleza, en un Mozart plenamente imbuido del Sturm und Drang, literalmente "tormenta e ímpetu" como lo interpretaron los asturianos. La Sonata en re mayor, op. 12 nº 1 (Beethoven) fue la que acusó las diferencias dinámicas aunque hubo momentos íntimos para saborear los instrumentos, diálogos, melodías protagonistas secundadas por el otro, y sobre todo el lenguaje de Bonn bien entendido, perfecto en cuanto a su lectura: un Allegro con brio algo más reposado de velocidad pero equilibrado, con trinos limpios y encaje de virtuosos en los rápidos pasajes a dúo, respetando las repeticiones escritas para diferenciar fraseos, el Tema con variazioni resultó un verdadero catálogo de intenciones y expresividad que quedó algo oscurecido desde la tecla pero sin perder nunca emotividad, piano cantando y violín contestando o alternando protagonismo con limpieza y lirismo por parte del dúo, pero sobre todo el Rondo-Allegro para disfrutar de ambos, una joya de estudio que el concierto eleva al magisterio interpretativo en manos de estos músicos con un perfecto entendimiento. La Sonata en do menor op. 45 nº 3 (Grieg) son palabras mayores y suponen un salto no solo cuantitativo sino cualitativo en los dúos, un lenguaje de mayor carga expresiva por parte de los intérpretes y una mayor envergadura de la partitura, como así lo entendieron afrontando con energía tres movimientos difíciles de encajar y aún más de sentir: el Allegro molto et appassionato carga en el violín un protagonismo desde la técnica que el piano debe subrayar y retomar, planos sonoros mejores que en la primera parte; el Allegro expresivo alla Romanza es un punto y seguido de emotividad, arrancando Noel un piano camerístico a más no poder, preparando el ambiente melódico del violín que David hace cantar lleno de musicalidad, siempre bien arropado desde las teclas, con ese toque nacionalista donde los pizzicati mantienen la pulsión compartida con el piano; y el Allegro animato, nuevamente nórdico, interacción de los dos intérpretes con un ritmo trepidante contrapuesto a unas melodías románticas, sin perder sonoridad en ninguno de los instrumentos, escritura densa y pasajes vertiginosos que ambos hicieron limpios aunque el violín siempre emerge sobre el piano más allá de una tímbrica consistente en todos los registros. ¡Bravo!. Aún hubo tiempo de dos propinas, la Asturiana de Falla donde el violín da un paso más con un fraseo que "olvida el texto" para incidir en la melodía pura, y la primera de las Danzas folklóricas rumanas de Bartok en un alarde magiar y popular elevado a lo culto con el violín como protagonista bien acompañado al piano y concluir esta lección final en concierto para unas jornadas abiertas al público, demostrando el buen momento de la música en Asturias que no debemos permitir nos lo estropee cualquier inepto que haga de la política su profesión. Deberíamos exigirles que se preparasen al menos tanto como nuestro alumnado y profesorado para ejercer su trabajo.

Edvard Grieg
(1843 – 1907)

Edvard Grieg (15 de junio de 1843 - 4 de septiembre de 1907) fue un pianista y compositor noruego. Son especialmente destacables su Concierto para piano en la menor y la música incidental que, encargada por el escritor Henrik Ibsen, escribió para su drama Peer Gynt o las más intimistas Piezas líricas, para piano.



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